절제와 수행의 미학, 단색화의 길
“나는 그림을 그리는 것이 아니라 수행을 한다.”
박서보는 한국 단색화(Dansaekhwa)의 선구자로,
현대미술의 흐름 속에서 자신만의 철학과 조형 언어를 구축한 작가입니다.
1929년 경상북도 예천에서 태어나, 한국전쟁과 분단이라는 시대적 격동을 겪으며 작가로서의 길을 걸었습니다.
그는 ‘그리기’보다는 ‘되새김’과 ‘행위’에 가까운 회화를 통해
예술을 통한 사유와 수행의 태도를 실천해왔습니다.
단색화의 길
1970년대 초반, 박서보는 서구 추상표현주의의 감정적 표현에서 벗어나
반복과 절제를 기반으로 한 새로운 회화 작업을 시도했습니다.
그가 주도한 단색화는 캔버스를 단일 색으로 덮고,
지속적인 행위를 통해 화면에 질서와 시간의 흔적을 남기는 방식이었습니다.
이는 단순한 형식 실험이 아니라, ‘예술을 통한 수행’이라는 작가의 인식에 기반한 깊이 있는 창작 과정이었습니다.
박서보에게 이러한 작업은 내면을 비우고 사유를 이어가는 하나의 예술적 태도였습니다.
묘법(描法) 시리즈
박서보의 대표작인 ‘묘법(Écriture)’ 시리즈는 그의 수행적 회화의 전형을 보여주는 작업입니다.
1967년경 시작된 이 시리즈는 젖은 한지 위에 연필이나 도구를 이용해
선을 반복적으로 그어 나가는 방식으로 진행되었습니다.
작가는 이 과정을 “글을 쓰듯이 몸을 움직이며 화면과 대화하는 수행”이라고 설명했습니다.
감정적 표현을 최대한 배제하고, 손의 움직임과 재료의 저항 사이에서
형태보다는 시간의 리듬과 감각을 담아내는 데 집중했습니다.
1980년대에 들어서면서 그는 색채의 사용을 점차 확장하고,
물감을 바른 표면 위에 나무 막대 등으로 선을 그으며
보다 물질적이고 공간감 있는 화면을 구성하기 시작했습니다.
이러한 시도들은 훗날 2010년대에 이르러
국제 미술계가 그의 작품을 새롭게 주목하게 되는 중요한 기반이 되었습니다.
그의 화면은 점차 빛과 호흡, 시간의 흔적이 켜켜이 쌓인 감각적 공간으로 확장되었습니다.
삶과 예술의 통합
박서보에게 예술은 자아를 드러내는 수단이 아니라,
자신을 다듬고 비우며 자연과 조화를 이루는 수행의 과정이었습니다.
그는 “나는 자연을 흉내 내는 것이 아니라, 자연을 닮고자 한다”고 말하며
자연 중심의 질서와 동양적 미학을 예술 속에 반영하고자 했습니다.
그에게 예술은 특별한 영감의 순간이 아니라,
삶의 반복 속에서 축적되는 감각과 태도에 가까웠습니다.
세계 미술계에서의 조명
2010년대 들어 단색화가 국제 미술계의 주목을 받으면서,
박서보의 작품은 파리, 런던, 뉴욕, 홍콩 등 세계 주요 도시의 전시장에서 소개되었습니다.
국내외 여러 미술관에 소장되며 그는 한국 현대미술의 정체성과 미학을
세계 무대에 알리는 중요한 작가로 자리매김했습니다.
노년에 피어난 색의 시간
무엇보다 놀라운 것은,
그가 노년기에 이르러 작품 제작의 방향을 계속 수정하고 보완하며
오히려 더 깊은 색으로 세계의 주목을 받기 시작했다는 점입니다.
작품의 색감과 질감은 어느 순간의 자연을 닮은 듯 맑고 따뜻하지만,
그 속에는 오랜 시간 쌓인 인내와 수행의 흔적이 고요히 깃들어 있습니다.
한지에 물을 먹여 골을 만들고 색을 입힌 뒤,
일정한 간격과 높이 사이에 드리워지는 그림자들은
마치 자연이 스스로 만들어낸 아름다움처럼 느껴집니다.
그 단순한 반복 속에서 시간과 빛, 그리고 작가의 호흡이 켜켜이 쌓여 있죠.
처음 작품을 보았을 때는 작가의 나이를 전혀 가늠할 수 없었습니다.
그가 걸어온 세월을 알고 나면,
이 부드럽고 생생한 색채가 오히려 더 놀랍게 다가옵니다.
이토록 긴 시간 동안 한 방향으로 걸어왔다는 것,
그리고 그 끝에서 더욱 맑아지는 색을 남긴다는 것..
그것이야말로 박서보 예술의 가장 깊은 아름다움이 아닐까요.
단풍이 가장 짙은 색을 내는 그 순간,
청보리밭이 가장 푸르른 때를 지나듯,
그의 작품은 삶의 가장 절정의 순간을 담고 있는 듯했습니다.
그 앞에서 나는 문득 생각했습니다.
내 나이를 탓하며 멈춰버린 일들, 더 나아가지 못한 시간들.
그러나 여든이 넘은 나이에도 자신을 단련하며 새로운 색을 찾아 나섰던 그를 보며,
문득 묻게 됩니다.
과연, 더 젊은 이는 누구일까요?
경외와 반성이 동시에 밀려옵니다.
Park Seo-Bo
The Aesthetics of Discipline and Repetition in Dansaekhwa
"I don’t paint—I perform a practice."
Park Seo-Bo was a pioneering figure in Korean Dansaekhwa (monochrome painting) and a central force in shaping his own philosophy and visual language within the currents of contemporary art.
Born in 1929 in Yecheon, North Gyeongsang Province, he lived through the Korean War and the national division, experiences that profoundly shaped his path as an artist.
Rather than approaching painting as expressive image-making, Park treated it as a process of reflection—an act closer to repetition and discipline, a lifelong practice of thought and mindfulness.
The Path of Dansaekhwa
In the early 1970s, Park moved away from the emotionally charged gestures of Western Abstract Expressionism,
choosing instead to explore restraint and repetition.
His Dansaekhwa works involved layering canvases with a single color and applying systematic gestures across the surface,
leaving traces of order and time.
These were not merely formal experiments, but deeply meditative acts grounded in his philosophy of art as practice.
For Park, this work was less about expressing the self than about emptying it, maintaining an ongoing contemplative stance.
The Écriture (Myobop, 描法) Series
Park’s signature Écriture (Myobop) series exemplifies his performative approach to painting.
Beginning around 1967, the series involved repeatedly drawing lines on wet hanji (traditional Korean paper)
using pencils or other tools.
He described this process as a form of practice: “moving my body like writing, engaging in a dialogue with the surface.”
Emotion was deliberately minimized, with the focus on capturing the rhythm of time and sensory perception between hand and material rather than on form.
By the 1980s, Park expanded his use of color and developed new techniques,
applying pigment to surfaces and drawing lines with wooden sticks,
creating works with greater materiality and spatial depth.
These experiments laid the foundation for the renewed international attention his work received in the 2010s.
Over time, his canvases evolved into sensory spaces layered with light, breath, and the traces of time.
Art as a Way of Life
For Park Seo-Bo, art was inseparable from life.
It was a process of self-discipline and contemplation rather than self-expression,
a practice of emptying oneself and aligning with the natural order.
He once said, “I do not imitate nature—I seek to resemble it,”
reflecting his pursuit of a nature-centered, rather than human-centered, aesthetic.
His work embodies this sensibility, capturing a quiet rhythm that flows between nature and time.
International Recognition
By the 2010s, as Dansaekhwa gained attention in the international art world,
Park’s works were exhibited in major cities such as Paris, London, New York, and Hong Kong.
They are now held in prominent museums both in Korea and abroad,
solidifying his role as a foundational figure introducing the philosophy and material depth of Korean contemporary art to the world.
Color in His Later Years
Perhaps most remarkable is that in his later years, Park continued to refine his practice,
experimenting and deepening his use of color, even as the world began to recognize his contributions.
The hues and textures of his works are as clear and warm as a fleeting moment in nature,
yet they carry the quiet traces of decades of patience and practice.
By wetting hanji, creating grooves, and applying color,
the shadows cast between the grooves evoke a beauty that seems naturally made by the world itself.
In these simple repetitions, time, light, and the artist’s breath accumulate.
At first glance, one could never guess the age of the artist behind these works.
Yet knowing the long years of his journey makes the clarity and vividness of the colors even more astonishing.
To walk in one direction for such a long time,
and to leave behind colors that grow ever clearer along the way—
this is perhaps the deepest beauty of Park Seo-Bo’s art.
Like the peak color of autumn leaves,
or the greenest moment in a barley field,
his works capture the most profound moments of life.
Standing before them, I am reminded of my own halted steps,
the times I paused instead of moving forward.
And yet, even in his eighties and beyond, he disciplined himself and continued seeking new colors,
inviting a question that lingers long after:
Who is truly younger?
A feeling of awe and self-reflection washes over simultaneously.
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